Iron Man

Personalmente Iron Man non è mai stato uno dei miei eroi preferiti, per quanto riguarda casa Marvel, essendo sempre stato più affezionato a figure come quella di Peter Parker, piuttosto che Tony Stark. Ma ciò che vale per i fumetti su carta, non vale per quelli su pellicola. Dal 2000, anno di produzione del primo X-Men, i film a carattere superomistico sono diventati una delle produzioni di punta del panorama hollywoodiano. In questa ondata di comic-movies però, sono pochi quelli che si salvano dal giudizio critico. Iron Man è uno di questi.
Jon Favreau mi aveva inizialmente fatto dubitare del progetto, ma alla fine mi sono dovuto ricredere. La prima produzione Marvel è, mi si perdoni il brutto gioco di parole, la prima produzione Marvel. Quello che intendo dire è che per la prima volta il film che scorre sullo schermo è davvero una trasposizione del fumetto creato da Stan Lee. Negli altri casi, anche illustri (leggi i film di Raimi o di Singer), c'era sempre qualcosa che impediva la sinergia tra le strip e le scene. Non so se il merito sia davvero di Favreau, del quale sinceramente non smetto di dubitare, ma rimane il fatto che Iron Man è un film di intrattenimento in piena regola. Il film scorre veloce e divertente per tutta la sua durata, senza insistere eccessivamente sulle consuete questioni esistenziali o su morali forzate. E le scene più puramente action, beh, fanno il loro sporco dovere.
Sicuramente ha giovato alla produzione la presenza di Robert Downey Jr., che interpreta Tony Stark divertendosi e divertendo il pubblico, in un ruolo che sembra gli sia stato costruito addosso: perfetto. Meno entusiasmante invece la prova dell'irriconoscibile Jeff Bridges, villain a mio avviso poco affascinante nonostante il massiccio look finale. Infine non posso che gioire per la presenza della bella e brava Gwyneth Paltrow, inspiegabilmente scomparsa dalle scene (importanti) per diversi anni.
Leggo in giro che è bene restare fino alla fine dei titoli di coda. Io non l'ho fatto, me tapino.

Voto: 7 / 10

Sweeney Todd: Il diabolico barbiere di Fleet Street

Febbraio è stato un mese foriero di grandi film. Nel mese più corto dell'anno, anche se quest'anno era un pochino più lungo, sono state programmate uscite importantissime, che per una volta ci hanno messi davanti all'imbarazzo della scelta per andare al cinema. E adesso? La risposta la sapete anche voi. A parte qualche rara occasione, per il resto è calma piatta.
Benjamin Barker, a.k.a. Sweeney Todd (Johnny Depp), è stato giustamente incarcerato per 15 anni dal crudele giudice Turpin (Alan Rickman), innamorato della moglie del barbiere. Al suo rilascio, la vittima diventa carnefice e inizia la sua vendetta contro la società corrotta di Londra grazie all'aiuto della signora Lovett (Helena Bonham Carter), che lo aiuta a far sparire i cadaveri delle sue vittime facendone pasticci di carne.
Sweeney Todd, da me tanto atteso in quanto fan sfegatato di Tim Burton, mi ha lasciato un po' perplesso. Intendiamoci, è film ottimamente girato e interpretato, con delle atmosfere veramente cupe ed inquietanti e una fotografia ben realizzata, ma c'è qualcosa che non mi ha convinto. Forse la colpa è dell'eccessivo hype, ma mi aspettavo di uscire dal cinema con un rasoio in mano desiderando mettere sotto i ferri i passanti e invece non è andata così. La cupezza della messa in scena burtoniana comunque rimane di grande impatto, e la morale (o meglio la sua assenza) probabilmente colpisce più a fondo di altre volte, quindi c'è poco di cui lamentarsi, ma forse averlo visto tra Il petroliere e Non è un paese per vecchi non ha giovato, o forse il detto "squadra che vince non si cambia" in questo caso ha attecchito un po' troppo.

Voto: 7 / 10

Juno

Innanzitutto Juno ha un grandissimo pregio. Ho letto su Repubblica un articolo di Natalia Aspesi e per una volta mi sono trovato d'accordo con lei. Son cose che fanno pensare eh. Poi è chiaro che 7yearwinter è più tagliente nella polemica contro il tentativo di sfruttamento del film da parte dei teocon antiabortisti, che se tutto va bene non avranno nemmeno visto il film ma si baseranno sulla sinossi letta chissà dove.
La sedicenne Juno (Ellen Page) rimane incinta dopo aver avuto un rapporto decisamente occasionale con l'amico Paulie (Michael Cera). Dopo aver fugato i dubbi sull'interruzione della gravidanza, decide di portarla avanti e dare poi il nascituro in affidamento a una giovane coppia. Lei (Jennifer Garner) non vede l'ora di diventare mamma ed è già pronta a fare il grande passo, al contrario di lui (Jason Bateman) che invece è un po' più riluttante, passando le giornate tra musica rock e film horror, hobbies che gli valgono l'amicizia della teenager ma che lo mettono in conflitto con la moglie.
Dopo Thank You For Smoking, Jason Reitman dirige un'altra commedia intelligente ed equilibrata nel dosaggio di dolcezza e amarezza, conquistando lo spettatore con questa riuscita ricetta. Certo, il merito va anche alla protagonista Ellen Page, molto brava e molto bella, che con il pancione e quel look indie, che pervade tutta l'atmosfera del film, è decisamente irresistibile. Juno probabilmente non entrerà nella storia del cinema, ma come episodio della serie "film indipendente di successo dell'anno" direi che è andata meglio di altre volte. Divertente e intelligente, è una commedia ben scritta sulla conquista della maturità che non farà rimpiangere i suoi predecessori in materia ma che anzi fornirà qualche elemento di riflessione in più agli spettatori-target. O almeno così si spera.

Voto: 7 / 10

American Gangster

Nel momento in cui si decide di pubblicizzare un film presentandolo come "epico, ai livelli de Il padrino", chiunque si rende conto che si sta già cercando di ingannarlo. Insomma, un film potrà anche essere bello, anche molto bello, ma paragonarlo con uno dei film che ha fatto la storia del cinema non gioverà certo alla sua immagine, senza contare che si corre il rischio di deludere inevitabilmente le aspettative (esagerate) degli spettatori. Quindi tu, che hai ideato la campagna promozionale di American Gangster, sei pregato di cambiare lavoro.
Nella New York dei primi anni '70, dopo essere stato per anni il braccio destro di un boss di Harlem, Frank Lucas (Denzel Washington) decide di mettere in piedi la propria organizzazione criminale, fondandola sullo spaccio di eroina purissima, importata direttamente da Bangkok grazie al traffico aereo dell'esercito americano. Richie Roberts (Russell Crowe) è un poliziotto della narcotici, ostracizzato dai colleghi corrotti e abbandonato dalla moglie insoddisfatta. Il primo è un uomo dai "saldi principi", l'altro invece è un immorale, sono due treni che corrono in direzioni opposte, e che arriveranno a scontrarsi senza possibilità di mediazione.
Ridley Scott torna a un genere a lui più congeniale dopo il passo falso di Un'ottima annata, continuando a girare con il suo attore feticcio Russell Crowe. L'ottima interpretazione dell'attore australiano, affiancato dall'altro altrettanto bravo Denzel Washington, non basta però a fare di American Gangster il capolavoro che il regista avrebbe voluto. In parole povere, è stato fatto il passo un pochino più lungo della gamba. Per quanto riguarda la forma, penso che il racconto delle due storie parallele sia un po' troppo macchinoso, mentre per il contenuto direi che alcune tematiche del film potenzialmente esplosive come la diffusione dell'eroina avrebbero potuto essere affrontate con più profondità o almeno con un occhio un po' più critico. Quello che ha girato Scott, ben lontano dai capolavori di Coppola, Scorsese o Lumet, è un film solido, ben fatto, ma che non entrerà certo nella storia. Lucas infatti non è Corleone, e Roberts non è Serpico. Campagna promozionale a parte, ci si aspettava qualcosa di più.

Voto: 7 / 10

Io sono leggenda

Non avendo visto i due precedenti adattamenti cinematografici dell'omonimo libro di Richard Matheson, che io non ho letto, e non avedo visto nemmeno l'opera prima del regista Francis Lawrence, Costantine, le mi aspettative per questo film erano sufficientemente alte e prive di ogni tipo di pregiudizio. A dire il vero anzi, la presenza di Will Smith e la sua prestazione da one-man-show mi facevano sperare di vedere un'opera più che discreta.
Tre anni dopo lo scoppio di un'epidemia che ha sterminato quasi tutta la popolazione della Terra e ha trasformato quella restante in una sorta di morti viventi che si aggirano nel buio, Robert Neville (Will Smith) è l'ultimo uomo rimasto sulla faccia del pianeta. Accompagnato dal suo cane Sam, il superstite passa le sue giornate cercando di trovare una cura alla malattia degenerativa degli "zombies" e tirando avanti come può per sopperire i propri bisogni fisici e psicologici.
Il fascino della storia dell'ultimo uomo sulla faccia della Terra è cosa nota a tutti ed è facile per Lawrence mantenere alto il livello di attenzione dello spettatore intercalando la descrizione della vita atipica del protagonista con le scene più d'azione in cui questo deve confrontarsi con gli esseri che lo circondano. Sebbene questi non siano stati resi egregiamente sullo schermo, e viene da chiedersi come mai usare la computer graphic quando basta un buon truccatore, regalano momenti di tensione non indifferenti e qualche salto sulla sedia si fa senza battere ciglio. Tuttavia, nonostante l'ennesima conferma delle qualità di Smith come attore, il resto del film lascia un po' a desiderare. Saranno i dialoghi, che visto che sono pochi potevano essere scritti in maniera un po' più profonda, sarà la trama, che da poco dopo la metà del film comicia a scricchiolare, saranno i già citati villains, che in fin dei conti sono poco più che mediocri, ma quello che ne esce alla fine è un film che può appassionare e che si guarda sicuramente volentieri, ma che probabilmente avrebbe potuto dire qualcosa di più. Per fortuna però, c'è Will Smith.

Voto: 7 / 10

Quel treno per Yuma

Qualche giorno fa nelle pagine di Repubblica c'era un bell'articolo di Paolo D'Agostini su questo film. Voglioso di vederlo e immemore di tutte le cantonate che ho preso leggendo articoli di giornalisti che non stimo, ho cominciato a scorrere le battute e le righe e quando mi sono accorto del danno, era ormai troppo tardi. Alla fine dell'articolo campeggiava allegramente una frase con il finale del film. Ora non so voi, ma queste sono le cose che normalmente mi fanno perdere le staffe. Indeciso tra scrivere una lettera a Repubblica e promettermi di non leggere mai più nulla di quanto scritto da D'Agostini, ho optato per la seconda facile opzione, consapevole che comunque la prima sarebbe stata un inutile spreco di tempo. Nel caso dovesse passare di qui, sarei felice se lasciasse un commento, in modo tale da poter poi sfogare tutto il risentimento che provo per lui. Ma è meglio venire al film.
Dan Evans (Christian Bale) è un uomo umile e onesto che cerca come può di prendersi cura della famiglia nonostante le angherie di un impresario locale. Ben Wade (Russell Crowe) al contrario è un fuorilegge carismatico e senza scrupoli che gira per il Paese con la sua banda derubando e uccidendo chi si pone sulla sua strada. Il caso vuole che il criminale venga arrestato nella cittadina del fattore e che a questo venga quindi offerta la possibilità di riscatto rispetto alla vita dimessa che svolge. Nel viaggio che li conduce al treno per la prigione di Yuma però, i due uomini imparano a conoscersi e a rimanere inevitabilmente affascinati l'uno dall'altro, rendendo a entrambi più difficile il proprio compito.
Girare un remake è sempre un'operazione rischiosa, che spesso tra l'altro sfocia se non nel fallimento, quantomeno nell'insuccesso. Sono moltissimi i casi in cui la nuova versione di una storia non è risultata all'altezza dell'originale. Ora, io personalmente non ho mai visto Quel treno per Yuma di Delmer Daves, però credo che il giovane James Mangold possa considerarsi soddisfatto. La sua regia conferisce il giusto tono a un film la cui vera forza comunque sta nelle interpretazioni di due dei migliori attori in circolazione: Russell Crowe e Christian Bale sono in stato di grazia e vederli recitare insieme è un piacere che difficilmente si può riprovare di questi tempi. E il merito è soprattutto loro se i due protagonisti assumono una dimensione umana e quindi imperfetta in quanto tale, fatta di ideali ma anche di contraddizioni, seguendo una morale tanto importante quanto vacua in un mondo allo sfacelo. Il tema è "tipico" del genere western, e forse è questo suo essere intrinsecamente legato all'etica che nonostante tutto lo rende un genere sempre attuale, anche ad anni di distanza dal suo periodo di gloria.
Mi dispiace, perché avrebbe potuto essere un capolavoro, ma per quanto mi sia piaciuto mi ha lasciato un po' freddo. Grazie, Paolo D'Agostini.

Voto: 7 / 10

Surf's Up - I re delle onde

Quello che tutti si sono chiesti quando hanno visto il trailer è stato: un altro film coi pinguini? Dopo Madagascar e Happy Feet direi che non si sentiva proprio l'esigenza di un film i cui protagonisti fossero dei pinguini e invece, visto che nella vita è sempre piacevole contraddirsi, Surf's Up è sinceramente al di sopra delle aspettative, che però essendo bassine non erano proprio insormontabili.
Cody Maverick (Shia LaBeouf) è un giovane pinguino che, dopo aver incontrato la leggenda del surf Big Z (Jeff Bridges), decide di seguirne le tracce per diventare un campione dello sport sulla tavola, al dispetto della totale mancanza di fiducia della sua famiglia. Arrivato a Pin Gu Island, le cose non saranno facili come aveva previsto, ma un incontro fortuito e fortunato saprà cambiargli un'altra volta la vita.
I due registi Ash Brannon e Chris Buck scelgono la via del mockumentary (il falso documentario) per raccontare una storia di amicizia e di fiducia in sé stessi. E' evidente quindi la contrapposizione tra una morale facile e scontata e una forma cinematografica che invece è inusuale, soprattutto per un film di animazione. Il risultato comunque è un film divertente e scorrevole, che scivola via come una tavola sulle onde ma che comunque diverte per tutta la sua durata. A mio avviso, non si poteva chiedere di meglio, considerando che il precedente film di animazione targato Sony Picture Animation è il brutto Boog e Elliott a caccia di amici. Non siamo certo in zona Pixar, ma qualcosa si muove nella giusta direzione.

Voto: 7 / 10

SuXbad – 3 Menti Sopra il Pelo

La questione su quanto siano imbecilli i titolisti italiani è oramai cosa nota a tutti, ma come insegna la legge di Muprhy le cose vanno sempre peggio del previsto. Ecco che dopo le innumerevoli storpiature che ci siamo dovuti sorbire da parte dei titolisti di professione, la Sony decide di indire un contest per stabilire il sottotitolo di Superbad (al quale tra l'altro non si capisce perché abbiano dovuto sostituire per con X). Alla fine la tagline vincente è stata quella che si può leggere sui manifesti. Ora io mi chiedo: perchè? Ai posteri l'ardua sentenza (se mai ce ne sarà una).
Seth (Jonah Hill), Evan (Michael Cera) e Fogell (Christopher Mintz-Plasse) sono tre amici sfigati alla fine dell'ultimo anno di liceo e sulla scia dei loro colleghi di American Pie il loro unico desiderio è quello di fare sesso almeno una volta prima di andare all'università. Quale migliore occasione se non una festa organizzata da una delle loro mire "amorose"? Tra patenti false, poliziotti sballati e un turpiloquio senza ritegno, i tre giungeranno alla tanto agoniata festa. Riusciranno a coronare i propri sogni e a soddisfare il proprio appetito sessuale?
Per quanto il trailer del film fosse simpatico e le recensioni d'oltreoceano fossero quasi tutte positive, nutrivo dei forti dubbi sulla natura del film. Alla fine però mi sono dovuto ricredere: l'opera di Gerg Mottola è una giostra di gag esilaranti e irriverenti che trascina lo spettatore fino alla fine del film lasciando solo qualche minuto qui e là per riprendere fiato dalle risate. Certo, bisogna accettare il livello di comicità abbastanza cialtrone, ma il risultato finale è irresistibile.

Voto: 7 / 10

Mio fratello è figlio unico

A volte sarebbe meglio non vederli certi film. E non perché Mio fratello è figlio unico sia un brutto film, anzi, direi che è proprio per il motivo opposto. Perché si capisce che è possibile andare oltre Ho voglia di te e Scrivilo sui muri e girare un film onesto, sincero, senza troppi fronzoli. In più, fa piacere vedere come certe nuove leve del cinema italiano lascino ben sperare per il futuro al contrario di quanto avveniva pochi anni fa (sì Stefano Accorsi, sto parlando di te) .
Accio (Elio Germano) e Manrico (Riccardo Scamarcio) sono due fratelli di borgata, costantemente in conflitto per ragioni affettive, familiari e politiche. Manrico è carismatico, sicuro, fa l'operaio ed è attivista di sinistra, è l'orgoglio dei genitori ed è fidanzato con la bella Francesca (Diane Fleri). Accio invece è tutto ciò che il fratello non è: giovane neofascista, pecora nera della famiglia, isolato dagli altri e confortato solo dal senso di appartenenza al partito, che conosce grazie al cattivo maestro Mario (Luca Zingaretti). Con il passare del tempo si renderà conto che quella del picchiatore non è la sua strada e tornerà sui propri passi per ricongiungersi al fratello, ma forse le loro strade saranno ormai troppo divise.
Daniele Lucchetti adatta facilmente il libro Il fasciocomunista di Antonio Pennacchi, opera che non ho letto ma alla quale va indubbiamente una parte del merito per la riuscita del film. Il soggetto, interessante e pregnante di spunti di riflessione non indifferenti, non viene però sviluppato in tutta la sua (possibile) forza, ma il risultato è comunque più che discreto e non ci si lamenta. Tuttavia se Mio fratello è figlio unico si discosta in positivo dalla produzione media italiana bisogna ringraziare soprattutto il cast: Germano è davvero bravissimo e anche Scamarcio non se la cava male. Cose che si sapevano, ma che spesso grazie a personaggi come Federico Moccia o Giovanni Veronesi si tende a dimenticare e sminuire. Anche Diane Fleri, che interpreta la ragazza di Manrico, è una piacevole scoperta, sia per le doti artistiche che per quelle estetiche.

Voto: 7 / 10

I Simpson - Il film

E' curioso, molti hanno recriminato a Matt Groening (il creatore della serie televisiva) e compagnia di aver girato un film condensando molte gag già viste in un lungometraggio che fondamentalmente non porta molte novità nell'universo simpsoniano. La cosa divertente è che una delle scene finali del film è praticamente una fotocopia della prima puntata che io ricordi di aver visto de I Simpson. Credo fosse a metà degli anni '90. Da allora, ho seguito le avventure della famiglia gialla ogni volta che ho potuto e penso di aver visto quasi tutti gli episodi trasmessi in Italia. Eppure, non ho avvertito la stanchezza di cui alcuni hanno parlato. Piuttosto è stato come un pranzo con un vecchio amico, che magari non ha grandi novità da raccontare ma che ti fa sempre divertire.
Homer, in uno dei suoi consueti colpi di testa da capofamiglia irresponsabile, decide di adottare un maiale e per liberarsi delle feci animali sceglie la via più comoda: scaricarle nel laghetto di Springfield, da poco dichiarato riserva grazie a una delle valorose crociate della piccola Lisa. La crisi ecologica che ne consegue causa l'isolamento della città sotto gigante una cupola di vetro e il successivo esilio dei Simpson. Solo quando il Governo minaccerà di fare esplodere la città torneranno indietro per salvare i propri (ex) concittadini.
Questo lungometraggio de I Simpson arriva quindi sul grande schermo a ben 18 anni dalla prima messa in onda della serie e dopo oltre 400 episodi realizzati. Sarebbe impensabile andare al cinema e aspettarsi "un'epifania". Invece è lecito pretendere un'ora e mezzo di sincero divertimento in puro stile simpsoniano e così avviene: nulla di meno, nulla di più. Come molti hanno già detto, sembra di assistere a un buon (non eccezionale) episodio allungato. Ciò significa grasse risate, umorismo graffiante, una sana dose di critica sociale e qualche gag meno riuscita aggiunta a una trascurabile incongruenza narrativa: ma questo è tutto ciò che ha reso la serie uno dei più grandi successi televisivi di sempre.

Voto: 7 / 10

Sicko

Come ho già scritto tempo fa, a mio parere la forza di un documentario risiede principalmente nell'argomento che il regista sceglie di trattare. Michael Moore, dopo la strage di Columbine e l'intervento militare statunitense in Medio-Oriente, sceglie di raccontare il mondo malato (mi si perdoni il gioco di parole) del sistema sanitario americano e di confrontarlo con quello di altri Paesi, come il Canada, la Gran Bretagna, la Francia e addirittura Cuba. La breve lista di Paesi non è certo casuale e conferma ancora una volta lo stile furbo e graffiante di Moore.
La trama come si vede è molto semplice, sebbene sia impreziosita da molte testimonianze e dalla narrazione accorata del regista. Come nelle pellicole precedenti, il documentarista sceglie un tema scottante da portare sullo schermo e lo fa con grande padronanza del mezzo cinematografico, alternando scene semicomiche ad altre marcatamente drammatiche. Ne risulta quindi un lavoro tanto leggero nella forma quanto pesante nei contenuti, che però non mancherà di appassionare nel bene e nel male gli spettatori.
Tuttavia mi sento di muovere una critica al regista, che anche stavolta si rivela un po' troppo imparziale. Certo, è vero che il sistema sanitario statunitense è disastroso a confronto di quelli di altri Paesi industrializzati, però Moore a volte calca troppo la mano e si coglie una nota di manicheismo che stona un po' con il resto del film. Ma questo è il suo stile e basta saperlo in anticipo per essere coscienti di ciò a cui si va incontro. Basta aver visto Fahrenheit 9/11 per capire di cosa sto parlando.
Rimane il fatto che Sicko è un film che va visto per onore della cronaca, per rendersi conto che forse il sogno americano non è più così vivo come molti credono ma che sia meglio cominciare a credere e inseguire il sogno europeo.

Voto: 7 / 10

300

Andando a cercare le critiche che sono state mosse a questo film si possono spesso leggere parole come "fascista" o "razzista". Quello che purtroppo si legge solo raramente è che 300 è un bel film d'azione, di intrattenimento, che non ha (almeno nelle intenzioni" nulla a che fare con tutto ciò. Poi, in quasi tutti i racconti di matrice epica il manicheismo più sfrenato la fa da padrone, ma non mi sembra che questo abbia mai creato problemi a nessuno. Questo tipo di polemiche sono le stesse erano state suscitate dall'uscita della trilogia de Il signore degli anelli: sterili e inutili. Non parliamo poi dei parallelismi forzatissimi che vengono fatti con la politica estera americana, anche perché se proprio proprio vogliamo gli Spartani sarebbero il popolo che difende la propria terra dall'invasione straniera, quindi Leonida come Al-Zarqawi. Ma questo andrebbe detto solo se volessimo essere stupidi anche noi, e non lo vogliamo.
La trama del film, che è liberamente tratta da una graphic novel di Frank Miller (già autore del fumetto da cui è stato tratto Sin City), narra le gesta disperate di un manipolo di 300 spartani che, nel 480 a.C., comandati dal loro re Leonida, si opposero all'invasione persiana di re Serse I, sacrificandosi per difendere la propria terra e i propri ideali. Lo stesso Miller comunque ha dichiarato che per la stesura del fumetto non si è rifatto alla Storia fattuale vera e propria, bensì a un film del 1962, I 300 spartani. Si capisce dunque che uno dei punti cardine del film non è l'accuratezza della ricostruzione storica, bensì è l'intrattenimento a farla da padrone.
Per raggiungere questo scopo è stato chiamato a dirigere il film Zack Snyder, ovvero colui che nel 2004 è riuscito a girare un remake di Zombi senza essere messo all'Indice dai fan di Romero e che nel 2008 dirigerà la trasposizione cinematografica di Watchmen. Il regista ha scelto di utilizzare le tavole di Miller come storyboard del film, come si può evincere poi dalle immagini del film. Questo infatti sembra un grande collage di immagini bellissime e affascinanti. Se comunque si possono muovere delle critiche alla storia, alle interpretazioni e ai dialoghi, è fuori di dubbio che visivamente 300 sia stupendo. Stu-pen-do.
Peccato che alcune cose siano meno riuscite, come le scene ambientate lotano dalla battaglia o il pessimo doppiaggio italiano. Se tutto fosse stato all'altezza delle scene di combattimento...

Voto: 7 / 10

Jackass: Number Two

Quattro anni dopo il primo lungometraggio, tornano sullo schermo le folli gesta della crew di Jackass, programma televisivo di MTV creato nel lontano 2000 in cui i protagonisti si sfidano a suon di botte, incidenti volontari e altre idiozie di questo tipo. Si potrebbe definire, per semplificare, un mix tra Paperissima e Real TV. Stupido? Sì. Diseducativo? Sì. Divertente? Sì².
Non c'è nulla di speciale da dire a proposito di questo secondo episodio, poiché se si ha visto almeno una volta il programma tv o il primo film si sa benissimo cosa aspettarsi, ovvero una lunga sequenza di scenette che si susseguono senza alcun collegamento tra loro. Il fatto è che a parte qualche colpo mancato, ma poi qui sono gusti, gli sketch sono esilaranti e non lasciano spazio alla noia.
Come già scritto da un'altra parte, spesso l'unico scopo di un sequel è quello di superare il film originale nei suoi aspetti chiave. Ma se a volte, anzi spesso, stona, in questo caso il gruppo di dementi supera sè stesso in una catena di incidenti volontari e candid camera che vi faranno letteralmente cadere dalla sedia. Riconosco che ci sia qualcosa di cerebralmente malsano in tutta questa operazione, soprattutto quando si vedono cose come quelle che succedono in alcune di queste scene, ma è impossibile rimanere indifferenti. Jackass o lo si ama, e allora preparatevi al mal di pancia, o lo si odia, e in questo caso nemmeno vi avvicinerete quindi non serve dire altro.

Voto: 7 / 10

Borat

Borat, il cui titolo originale e completo comunque sarebbe Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan, è l'ultima genialata partorita dalla mente di Sacha Baron Cohen, meglio noto ai più come Ali G, sì, il rapper-chaffeur del video di Madonna. Il comico inglese infatti riprende uno dei suoi più fortunati personaggi televisivi e lo porta sul grande schermo, mettendo in scena un cosidetto mockumentary (ovvero un falso documentario) sul suo giornalista kazako, inviato negli Stati Uniti per un reportage sullo stile di vita americano.
Nel corso del suo viaggio, Borat Sagdiyev scopre sullo schermo Pamela Anderson e, innamoratosene, decide di doverla conoscere a ogni costo, abbandonando tutti i suoi intenti "giornalistici". Nel suo coast-to-coast da New York a Los Angeles ha comunque modo di vedere le diverse realtà di un Paese spaccato tra metropoli e campagne, lusso e disagio, e via così. Tuttavia, per quanto possa essere interessante questo aspetto della pellicola, non ne è il cardine. Il punto focale di Borat è che fa morire dalle risate. Baron Cohen alterna scene di fiction a candid camera in quello che fondamentalmente è un collage di sketch uno più crudele e divertente dell'altro. E' anche vero comunque che questa frammentarietà alla fine dei conti si sente e forse il film non riesce a mantenere il ritmo inziale per tutta la sua durata. Tuttavia non c'è nulla da fare, Borat Sagdiyev è uno dei personaggi più divertenti visti sul grande schermo negli ultimi anni, e Baron Cohen mette a segno un'interpretazione incredibile, che proprio l'altro giorno gli ha fatto vincere un Golden Globe.
Avendolo visto in lingua originale mi rendo conto che in fase di doppiaggio Borat perderà gran parte del suo appeal, anche perché non saprei come potrebbe fare Pino Insegno a doppiare l'irresistibile parlata "anglo-kazaka" del protagonista. Se avete modo di farlo,guardatelo in lingua originale. Divertimento assicurato.

Voto: 7 / 10

Casino Royale

Un paio di anni fa si cominciò a leggere su tutti i giornali e a discutere su chi sarebbe stato l'erede di Pierce Brosnan nel ruolo di James Bond, personaggio che dopo un'era gloriosa stava cominciando a declinare a causa della scarsa qualità delle pellicole che lo vedevano come protagonista. Dopo alcuni mesi e diverse centinaia di provini, fu scelto Daniel Craig, e fu subito polemica. Si sarebbe dovuto capire invece che la scelta del casting rifletteva le intenzioni della produzione, ovvero andare contro corrente rispetto agli ultimi film su 007 per cercare di dare nuova linfa vitale.
James Bond (Daniel Craig) è agli inizi della sua carriera, tanto che nei primi minuti non gode nemmeno del famoso titolo di "doppio-zero". Dopo averlo acquisito, il suo primo incarico sarà quello di fronteggiare il finanziatore di terroristi Le Chiffre (Mads Mikkelsen) a una partita di poker al Casino Royale in Montenegro. La tensione crescerà col passare delle mani, per arrivare a un epilogo davvero stupefacente.
Martin Campbell firma il film che segna il ritorno di Bond alle origini, alle caratteristiche che il suo creatore Ian Fleming aveva in mente quando lo creò, e lo fa con un discreto stile che da lui non ci si sarebbe aspettati. Le (molte) sequenze d'azione da capogiro, ma senza essere ridicole o fracassone, e tutto sommato anche i (pochi) momenti di romanticismo non sono affatto male. Come si diceva sopra, Casino Royale segna un ritorno alle origini per il personaggio di Bond, che non è affatto infallibile e perfetto come colui a cui ci eravamo abituati. Anche dal punto di vista cinematografico si può notare un certo "tradizionalismo" nelle scene d'azione, poiché sono stati abbandonati i grandi effetti speciali per tornare a una dimensione un po' più umana del genere del film d'azione. La pellicola comunque non è esente da difetti. Il ritmo, per fare un esempio, cala nel secondo tempo, quando l'obiettivo si sposta sul lato più intimo e romantico della storia, ma tutto sommato si può soprassedere.
Infine non si può non parlare di Craig, unico vero protagonista del film. Il suo personaggio non è più il bellimbusto "dell'era Brosnan", ma è un agente arrabbiato, spesso confuso, impulsivo. Sono cose che sono già state scritte su tutti i giornali, ma effettivamente saltano subito all'occhio dello spettatore che ha un minimo di confidenza con la saga creata da Fleming.
A quanto pare James Bond è rinato e il merito è soprattutto di Craig, che ha saputo calarsi perfettamente nel ruolo dell'agente segreto più famoso del mondo. Ora bisogna vedere se continuerà a essere all'altezza.

Voto: 7 / 10

Giù per il tubo

Come fare al giorno d'oggi a produrre un film d'animazione quando quelli in CG sono dominio Pixar e quelli di plastilina sono quasi sempre dei capolavori? Ci prova la Aardman, casa di produzione inglese che sta dietro Wallace & Gromit, cercando una via di mezzo tra le due tecnologie. Se infatti il film è prodotto in computer graphic, questa ricalca molto da vicino quello che è lo stile tradizionale dei pupazzi di plastilina. Anche l'effetto finale, così come la tecnica, è tutto sommato un compromesso tra capolavoro e disgrazia. Un buon lavoro, che spicca soprattutto per la superiorità rispetto alla media (bassa) dei film d'animazione di oggi.
Roddy, topo casalingo ben agiato, si ritrova in casa un topo di fogna e, cercando di liberarsene, finisce direttamente nello scarico del water, approdando al mondo sotterraneo. Giunto nella città delle fogne si trova inaspettatamente nel bel mezzo delle rivalità tra la bella e gagliarda topolina Rita e Il Rospo, una sorta di gangster che trama piani malvagi ai danni di tutti. Tra un'avventura e l'altra, Roddy impara quindi a riconoscere il vero valore delle cose importanti, come gli amici e la famiglia.
Se la morale non è il punto forte della pellicola, e non lo è, vista la banalità di fondo, è la classe con cui è stato girato il film a risollevarne le sorti. I personaggi sono divertenti e le gag che si susseguono suscitano risate e sorrisi, senza essere volgari o fuori luogo. Non so come sia il doppiaggio in lingua originale, ma la traduzione (affidata a professionisti, e non ai soliti attori della tv) grazie a Dio è ben fatta. Insomma, una regia fresca e divertente al servizio di un film che forse non ha troppe pretese, ma che finisce per intrattenere alla grande il pubblico che andrà a vederlo.

Voto: 7 / 10

Il labirinto del fauno

Operazione coraggiosa quella di Del Toro. Il regista messicano infatti riprende quello che era stato il nodo centrale de La spina del diavolo (che non ho visto ma a breve recupererò), ovvero coniugare nella stessa pellicola elementi fantasy e Storia, quella con la S maiuscola. Molti storceranno il naso, magari avendo visto solo Blade II e Hellboy, due comic movies dal risultato rispettivamente discreto (il primo) e mediocre (il secondo), senza sapere che comunque quest'ultima opera del regista messicano è notevolmente superiore alle due appena citate.
La storia, ambientata nel 1944 in Spagna, quindi in periodo di regime, racconta la vicenda di Ofelia, una bambina che vive con la madre in compagnia di uno spietato generale franchista e che, evadendo dalla tragica realtà che la circonda, entra in contatto con un vecchio fauno. Questo la incarica di compiere tre missioni che la riporteranno nel magico regno di cui è la principessa. Nel frattempo però, la bambina dovrà far fronte anche alle difficoltà del mondo reale, dalla madre che porta avanti una difficile gravidanza alla guerriglia tra soldati e partigiani.
Del Toro mette in piedi uno spettacolo particolare e tutto personale, mischiando momenti di fantastica poesia a scene di violenta quotidianità. Purtroppo, nonostante alcune sequenze siano decisamente tra le più riuscite che abbia visto al cinema quest'anno, mi ha dato l'impressione di essere leggermente slegato nell'alternanza dei suoi due diversi aspetti. Se l'innocenza della protagonista è ben controbilanciata dalla malvagità del suo patrigno e il mondo fantastico si distacca in maniera netta dalla realtà, i continui passaggi da un punto di vista all'altro mi sono sembrati un po' forzati. Peccato, sarebbe stato un (quasi) capolavoro, anche se rimane comunque un film che merita sicuramente di essere visto, soprattutto in questo periodo di magra nelle sale.

Voto: 7 / 10

Grizzly Man

La storia che racconta Grizzly Man è affascinante quanto tragica. A prima vista sembra la storia di un uomo appassionato di orsi che, decidendo di passare con loro ben 13 estati, alla fine è rimasto vittima delle creature che tanto amava. Guardando il documentario di Herzog però, si capisce che in realtà il personaggio di Treadwell era molto più sfaccettato e complicato.
Il regista tedesco ricostruisce la vicenda del protagonista con i filmati dello stesso e diverse interviste alle persone che gli erano più vicine. In questo modo restituisce allo spettatore un ritratto a tutto tondo del famoso ambientalista, mettendone in luce sia gli indiscutibili pregi che gli innegabili difetti. Come si evince dalle dichiarazioni che Treadwell fa davanti alla telecamera, in una delle sue stagioni solitarie in Alaska, ad un cetro punto della sua vita gli orsi sono diventati la sua unica ragione per tirare avanti, e l'unico motivo per riabilitarsi dal problema dell'alcool. Questo aspetto aiuta a capire il fanatismo con cui egli trattava gli orsi, senza rendersi conto che i suoi "amici" rimanevano comunque animali tanto belli quanto letali.
Il regista in diverse occasioni interviene con la propria voce fuori campo per evidenziare le proprie divergenze di opinioni, evitando quindi l'agiografia e cercando di descrivere ogni aspetto della persona di Treadwell, che riassumeva perfettamente il binomio romantico di "genio e sregolatezza". Ne esce un'opera interessante, toccante e a tratti commovente, ma questo a mio parere è dovuto soprattutto al carisma del protagonista.

Voto: 7 / 10

Il vento che accarezza l'erba

L'ultimo film di Ken Loach, famoso regista inglese che spesso mi rammarico di non conoscere abbastanza bene, è il racconto appassionato della guerra di indipendenza irlandese che ha vinto la Palma d'Oro al Festival di Cannes di quest'anno. Da notare inoltre che ha battuto in volata Almodovar, guadagnandosi immediatamente la mia simpatia.
Damien (Cilian Murphy) e Teddy (Padraic Delaney) O'Donovan decidono di unirsi all'Irish Repubblican Army dopo aver subito l'ennesimo sopruso da parte dell'esercito inglese. La guerra inizialmente li unirà, ma dopo averli cambiati per sempre con le sue atrocità, li separerà nuovamente. Dopo la ratificazione del trattato di pace con l'Inghilterra, essi si troveranno avversari nella propria terra in quanto appartenenti alle due fazioni opposte, ovvero quella radicale e quella moderata.
Loach torna agli anni '20 del Novecento per raccontare una vicenda privata inserendola in un contesto storico importante ancora oggi. Oltre all'accuratezza della ricostruzione storica, il regista pone l'accento sulla difficoltà che ogni persona incontra nel corso di una guerra, anche quando si tratta di una battaglia "giusta".
Ne esce un film a tratti duro ma nel complesso toccante, che difficilmente lascerà indifferenti gli spettatori.

PS: Prometto di sistemare non appena avrò tempo questa recensione malandata. La valutazione del film comunque rimarrà la stessa. Perdono. ^_^

Voto: 7 / 10

The Queen - La Regina

Presentato in concorso a Venezia e fortemente candidato alla vittora del Leone d'oro, l'ultimo film di Stephen Frears si è dovuto "accontentare" del premio assegnato dai giornalisti e della coppa Volpi come miglior intepretazione a Helen Mirren (la quale nel film interpreta la Regina Elisabetta II). Mica male, in fin dei conti.
Dopo aver letto e sentito le opinioni di un sacco di persone, che tra Venezia e cinema "convenzionali" sono riusciti a vedere il film prima di me, mi ero già fatto un'idea di quello che mi aspettava, ovvero un piacevole mix di dramma, commedia e biopic. E così è stato.
La trama della pellicola attraversa la settimana che seguì la morte di Lady Diana e le diverse reazioni della famiglia reale e del Governo inglese del neoeletto Tony Blair. Dopo sette giorni di confronti tra monarchi, laburisti e popolo, ne uscirono tutti più o meno bene. Frears in ogni caso non calca la mano sui personaggi, e alla fine dei conti l'immagine dei protagonisti risulta parecchio positiva. Insomma, mi ha dato l'impressione di finire un po' troppo a tarallucci e vino. Inoltre, se proprio dovessi cercare il pelo nell'uovo, il ruolo della Regina Madre a momenti mi è sembrato quello della tipica vecchietta rincoglionita che dà fiato alla bocca.
La vera particolarità del film comunque, a parte l'ottima prova recitativa della Mirren, sta nel fatto che descrive e racconta dei fatti accaduti pochi anni fa, ricostruendo "personaggi" ancora in vita, cosa che succede piuttosto raramente. Chissà cosa ne penseranno la Regina o Tony Blair.

Voto: 7 / 10